De Toronto, no Canadá, o duo July Talk é composto por Peter Dreimanis e Leah Fay vive cada disco como se fosse o último. A intensidade se reflete na capacidade artística de conseguir se reinventar a cada novo lançamento.

Quando pude conhecer o trabalho dos canadenses o som era um rock’n’roll estridente com referências do blues, muita vitalidade e que trabalhava muito bem a harmonia e as potências dos vocais.

De 2014 para cá muita coisa aconteceu, como Peter nos conta em entrevista exclusiva ele tinha apenas 21 anos na época e o som era contestador por sua natureza, por isso tão visceral, mas hoje em dia mais amadurecidos e querendo sempre apresentar algo novo para os fãs, eles nos impressionam mais uma vez com um disco repleto de questionamentos e novas frequências.

Pray For It lançado via BMG dialoga com problemas inerentes a humanidade e nos provoca a cada faixa com algum problema latente da nossa sociedade em geral. Em tempos onde estamos reclusos ele acaba mostrando como somos apenas um rastro de poeira espacial.

July Talk Pray For It

Outra característica do som do July Talk é o aspecto visual. Suas canções nos levam para cenários do cotidiano, viaja por memórias, pelas avenidas das cidades e por imagens em P/B.

O disco foi produzido por Burke Reid (Courtney Barnett), Graham Walsh (Holy Fuck, Metz), David Plowman (Brendan Canning, Young Clancy), Milan Sarkadi (Mute Choir, Said The Whale) e e pelo compositor de trilhas sonoras Ben Fox. A mixagem é assinada por Rob Schnapf (Beck, Cat Power). 

Com este time tão plural que ficou responsável por diferentes faixas ao longo do disco eles conseguiram extrair um pouco mais dos universos particulares de cada produtor.

Na entrevista eles até comentam como isso mudou até mesmo a forma de encarar uma gravação para o resto da vida. Detalhes como este fazem valer a pena o bate-papo com o July Talk. 


July Talk photo_by_Vanessa_Heins

July TalkFoto Por: Vanessa Heins


Ouça: Pray For It (2020) – July Talk



Entrevista: July Talk

Conversamos com o Peter e a Leah do July Talk para saber mais sobre o novo álbum.

Pude conhecer o som de vocês através de uma premiação em que vocês foram eleitos como novos talentos em 2014. Lembro bem de um videoclipe com guitarras e uma levada blues estridente.

Ouvindo o material mais recente já vejo uma série de mudanças tantos nos elementos como na sonoridade. Gostaria de saber mais sobre essas mudanças e como vocês enxergam os rumos do projeto?

Peter: “Bem, eu tinha 21 anos quando escrevemos “Summer Dress” e acho que estávamos bastante focados no rock’n’roll de confronto na época. Estranhamente, tenho trabalhado mais com esse tipo de vibração no último mês, porque fiquei realmente inspirado por uma versão que fizemos de “To Hell With Good Intentions”, do McKlusky, e a vontade por tocar música alta desde que nós ficamos presos em casa.

Entendo seu ponto, porque Pray For It é um registro mais paciente e abrangente do que as coisas mais antigas. Eu acho que é um tipo de amadurecimento, onde nós realmente não queremos nos repetir, então exploramos um território desconhecido. Sempre fico entediado com artistas previsíveis, então ficamos gratos pela liberdade de tentar algo novo.”



Vocês também sempre trazem versões incríveis no piano e acapella no canal de Youtube já tem alguns anos. Como começou isso? Acreditam que isso apresentou o som de vocês para novas pessoas? Aliás, a versão para FKA TWIGS ficou impressionante, como é para vocês o exercício de reconstruir uma música?

Leah: “A primeira versão que divulgamos no Youtube foi para “Venus Stop the Train” do Wilco como um vídeo de “boas festas” já tem muitos anos. Eu e Peter realmente amamos essa música e foi uma das primeiras músicas que tocamos quando nos conhecemos. Pera aí que Peter quer dizer algo:

Peter: “Só me lembro de descobrir que essa música era um lado B que não fazia parte de Yankee Hotel Foxtrot e eu não pude acreditar! Como uma música tão boa não faz parte desse disco? De volta a Leah, desculpe.”

Leah: “Costumamos não ser convencionais nas férias, mas essa música menciona “Árvores de Natal”, então parecia apropriado. Realmente não fazemos covers nos shows, mas fazer vídeos de vez em quando é divertido para nós.

Nós dois crescemos aprendendo que as férias inventadas são tão (se não mais) importantes quanto as religiosas, por isso está meio que se tornando uma tradição em torno do Solstício de Inverno. Um ano, gravamos uma versão da canção de ninar de “Here Comes The Sun” e apenas a compartilhamos com nossas famílias.

A música do FKA Twigs, “Mirrored Heart”, queríamos tentar apenas porque éramos obcecados por “Magdalene” em todo o outono. Tivemos a chance de ver Twigs em Toronto e seu registro não deixou o jogador por meses. É um trabalho tão brilhante e comovente, ela é tão inspiradora e mal posso esperar para ver o que ela fará a seguir.”



Aliás os vídeos no youtube sempre em P/B e vintage, contem mais sobre a preocupação estética do projeto e como se relaciona com seu conceito.

Peter: “Sim, sempre trabalhamos em preto e branco. Inicialmente, surgiu o desejo de tornar todo o conteúdo visual coeso e parecer que apenas o July Talk poderia ter produzido cada peça. Com o tempo, ficamos presos porque as imagens em preto e branco parecem conter mais convicção do que a natureza desorganizada do contraste de cores.Você geralmente trabalha com menos fontes de luz, simplificando sua composição para focar os olhos do espectador.

No novo disco, exploramos o uso de pequenas imagens coloridas dispersas, porque elas parecem dar uma olhada por trás da cortina para o espectador e o tornam um pouco mais íntimo, quase como ver alguém nu pela primeira vez. Os espectadores estão tão acostumados a nos ver em preto e branco que é emocionante ver essa cor pela primeira vez.”

Aliás vocês se apresentarão em um drive-in devido ao momento do COVID-19 mas ao mesmo tempo isso acaba se encaixando com ele, não? Contem mais sobre a experiência e bastidores.

Peter: “O conceito de drive-in definitivamente se encaixa na estética cinematográfica de July Talk, porque podemos experimentar a profunda história da cultura cinematográfica drive-in. O público será convidado para essa rica nostalgia. Foi uma honra trabalhar com as imagens vintage e preparar uma experiência completa para o público. Para deixar você contar um pequeno segredo … na próxima semana, anunciaremos uma maneira de os fãs fora do Canadá também se sintonizarem no show! Mais informações serão anunciadas em breve.”



O novo disco fala sobre como as pessoas estão somente reagindo ao que acontece ao redor e não agindo em si, seja nos desequilíbrios de poder, riqueza e autenticidade. Como está sendo para vocês lançar um disco com essa energia em tempos onde temos que lidar com problemas desde saúde pública, passando por tiranos no poder, ódio e injustiças?

Leah: “Eu acho que a maioria dos problemas que você mencionou (talvez com exceção da saúde pública?) Foram bem aparentes nos poucos anos que antecederam 2020. Talvez décadas ou séculos antes disso também. Lidando com o início lento do que parecia ser o fim do mundo como o conhecíamos é um tema que se infiltrou na maioria das músicas do álbum.

Em nossas vidas diárias, tudo mudou – como na maioria das pessoas ao redor do mundo. Mas temos o privilégio e a sorte de viver confortavelmente durante essa pandemia e nunca ficamos mais conscientes de como a disparidade econômica, as estruturas de poder desequilibradas e o racismo sistêmico têm causado danos, sofrimento e perda a pessoas marginalizadas em todo o mundo. Então, precisamos trabalhar e realmente nos educar sobre as lacunas nas histórias que nos foram contadas e aprender a ver nossos pontos cegos.

É hora de se sentir desconfortável. Parece complicado lançar música, é claro, mas temos que continuar vivendo. Há muitas coisas que 2020 me ensinou, mas uma é definitivamente que os seres humanos, como todos os seres vivos, são adaptáveis. Vamos ver o que acontece e tentar melhorar. É tudo o que podemos fazer “.

Vocês também falam sobre a crescente falta de autenticidade hoje em dia. Estamos nos tornando cada vez mais padronizados? Como vocês enxergam isso no universo da música e seus algoritmos?

Peter: “Bem, acho que essa era da COVID-19 incentivou as pessoas a serem mais diretas e honestas sobre seus sentimentos. Ao invés de se retratar nas mídias sociais com falsas imagens de perfeição, acho que as pessoas foram mais abertas sobre sua experiência honesta.

Como artistas, estamos acostumados a ser colocados em uma caixa, em comparação com outros artistas com os quais não nos relacionamos, apenas para que o público possa fazer referência ao nosso trabalho. Às vezes, é um processo frustrante, porque o Spotify não pode realmente considerar o fato de que às vezes o momento mais emocionante da vida dos fãs é quando um artista se reinventa!

Quando eles lançam um novo trabalho que não é nada parecido com o trabalho anterior, você pode destrinchá-lo como fã e especular sobre as motivações por trás da mudança decisiva no tom. A indústria da música depende do livre arbítrio dos artistas; sua capacidade de se expressar criativamente de novas maneiras, de descobrir um novo território sônico que nunca haviam explorado antes, no interesse de se manterem criativamente saciados. O Spotify é baseado em algoritmos que decidem como um artista é semelhante a outro ou diferente de outro, o que é uma abordagem realmente fechada para pensar em música.

Roosevelt disse uma vez que “a comparação é a ladra da alegria”. Eu acho que essa abordagem baseada em algoritmos retira nosso livre arbítrio como artistas e depende muito da comparação com artistas separados. Dito isso, somos gratos pela exposição a novos ouvintes; portanto, não temos escolha a não ser interagir com esses serviços de streaming na esperança de encontrar um novo público “.

Vocês também puderam trabalhar com uma série de produtores incríveis e com características bastante distintas neste álbum. Como foi esta experiência? Como funcionou na prática? E quais foram os principais aprendizados?

Peter: “Começamos a gravar com Graham Walsh, da banda Holy Fuck, para” Identical Love and Good Enough “. Temos um profundo respeito por ele por um longo tempo e pensamos que sua abordagem seria ótima para os mais eletrônicos. Material de base.

Então, convidamos um cara chamado Burke Reid para vir da Austrália para o Canadá, para mais material de rock’n’roll. Adoramos o trabalho dele com Courtney Barnett e The Drones. Ele realmente expandiu nosso som, adicionando mais melodia e projetando seu gosto na música. O Talk de julho nunca mais será o mesmo, e estamos muito agradecidos.

Em seguida, co-produzimos “The News” com nossos amigos Ben Fox e Milan Sarkadi. Milan é um engenheiro incrível que conhece muito bem os sons de que precisa, então foi legal vê-lo em um papel de produção para o July Talk. Ben Fox é um compositor de filmes e um velho amigo que também trabalhou em “Life of the Party”. Nós realmente respeitamos o gosto dele, então ele era uma ótima caixa de ressonância para administrar as peças e garantir que o elemento certo estivesse sendo priorizado no arranjo. Ele realmente ajudou a levar o “The News” para o outro lado da colina, porque havíamos tentado e falhamos várias vezes para gravar essa música, e ele estava enfrentando o desafio conosco.

Finalmente, co-escrevemos “Champagne” com Kyla Charter e James Baley e colaboramos com o produtor David Plowman. A música abordava questões de privilégio dos brancos e roubo de música e cultura negras, e David tem uma longa história de trabalho com amostras, então ele foi um produtor perfeito para trabalhar enquanto criamos amostras do evangelho e as mudamos para colocá-las dentro daquele Período 60s / 70s “.

O Canadá sempre teve uma cena musical muito plural até mesmo pelo aspecto de ser um país de imigrantes e muitas conexões. Quais projetos tem fisgado a atenção de vocês atualmente?

Leah: “É muito legal ouvir você descrever o Canadá dessa maneira. Quem mora no Canadá que não é indígena veio de algum lugar e é fato que as pessoas estão constantemente tentando ignorar para manter a norma colonial dos colonos!

Procure por Hubert Lenoir, Elisapie, Haviah Mighty, Fiver, Jeremy Dutcher, Safia Nolin, Lido Pimienta, Shad, MUNYA, meninas norte-americanas e, é claro, vá ver Tanya Tagaq assim que humanamente possível. Para nomear alguns.”

Aqui no Brasil ainda não temos previsão para shows, e talvez estejamos longe de ver o fim da pandemia, então seria até difícil sonhar com uma apresentação de vocês tão cedo. Mas vocês já vieram ao Brasil alguma vez mesmo que a passeio? Conhecem a música produzida por aqui? E qual recado deixariam para os fãs e novos fãs brasileiros?

Leah: “Eu acho que o CSS (Cansei De Ser Sexy) é a única banda do Brasil que eu conheço. Eu os vi em Montreal quando eu estava na Universidade e a Lovefoxxx me puxou para o palco e derramou vodka na minha boca. Dançamos, lembro que ela tirou a calça e fez a maior parte do show de calcinha.

Foi definitivamente um momento de mudança de vida para mim. Eu estava estudando dança e performance na escola e ela apenas desafiou tudo o que me ensinaram sobre como liderar uma banda e ser uma mulher. Adorei cada minuto. Nunca estivemos no Brasil, mas mal posso esperar para vir! Por favor, todos se cuidem, cuidem um do outro até que possamos nos encontrar pessoalmente. ”


Interview: July Talk

The first time I heard about July Talk was when you were nominated for Breakthrough Group of the Year at the 2014 Juno Awards. I remember watching a video with guitars and a blistering blues (“Summer Dress”).

Listening to the latest material, I saw a series of changes both in the elements and in the sound. I would like to know more about these changes and where do you guys think the Project is heading next?

Peter: “Well, I was 21 when we wrote “Summer Dress” and I think we were pretty focused on confrontational rock and roll at the time. Strangely enough I’ve been working more on music with that kind of vibe over the last month, because I was really inspired by a cover we did of McKlusky’s “To Hell With Good Intentions” and I’ve been yearning to play loud music since we’ve been cooped up at home so much. ‘

I see where you are coming from because Pray For It is a more patient, sprawling record than our older stuff. I guess it’s a maturing of sorts, where we didn’t really want to repeat ourselves, so we explored unchartered territory. I’m always pretty bored by predictable artists, so we were grateful for the freedom to try something new.”

You guys also always post incredible versions on the piano and acapella on your Youtube channel. How did it start? Do you believe it has introduced your music to new people? In fact, the version for FKA TWIGS song was impressive. For you guys, how is the exercise of reconstructing a song?

Leah: “The first cover we released was “Venus Stop the Train” by Wilco on Youtube as a “Happy Holidays” video many years ago. Me and Peter really loved that song and it was one of the first tunes we bonded over when we first met. Hold on, Peter wants to type something:

I just remember finding out that song was a B-Side that didn’t make Yankee Hotel Foxtrot and I couldn’t believe it! Like how does a song that good not make that record? Back to Leah, sorry.

We tend to be pretty unconventional around the holidays but that tune mentions “Christmas Trees” so it seemed fitting. We don’t really do covers at shows but making videos every once in a while is fun for us.

We both grew up learning that made up holidays are just as (if not more) important than religious ones so it’s kind of becoming a tradition around Winter Solstice. One year we recorded a lullaby version of “Here Comes The Sun” and just shared it with our families.

The FKA Twigs song “Mirrored Heart” we wanted to try just because we were obsessed with “Magdalene” in its entirety all fall. We had the chance to see Twigs in Toronto and her record didn’t leave the player for months. It’s such a brilliant and heartbreaking work, she’s so inspiring and I can’t wait to see what she makes next.”

In fact the videos on the youtube channel are always in Black and White and look vintage. Tell us more about the aesthetic concern of the project and how it relates to its concept. 

In a few days you guys will be performing in a drive-in due to the COVID-19 situation but at the same time it ends up fitting with it, right? Tell us more about the experience and behind the scenes.

Peter: “Yeah, we’ve always worked in black + white. It initially came out of a desire to make all of the visual content cohesive and feel like only July Talk could have made each piece. Over time, we stuck with it because black and white images seem to contain more conviction than the cluttered nature of colour contrast. You generally work with less light sources, simplifying your composition to focus the viewer’s eye.

On the new record, we’ve explored using small scattered colour images because they seem to give a behind-the-curtain look to the viewer and make it somewhat more intimate, almost like seeing someone naked for the first time. Viewers are so accustomed to seeing us in black + white that it’s exciting to see that colour for the first time.

The Drive-In concept definitely fits with July Talk’s cinematic aesthetic, because we can experiment within the deep history of drive-in cinema culture. The audience will be invited into that rich nostalgia. It has been an honour to work with the vintage footage and prepare a full experience for the audience. To let you in on a little secret… next week we’ll be announcing a way that fans outside Canada to tune into the show as well! More information will be announced soon.”



The new album talks about how people are only reacting to what happens around them and not acting on themselves, whether in the imbalances of power, wealth and authenticity. How has it been for you to release a record with this energy in times when we have to deal with problems like public health, to tyrants in power, hatred and injustice?

Leah: “I think most of the problems you mentioned (maybe with the exception of public health?) were pretty apparent for the few years leading up to 2020. Maybe decades or centuries before that too. Dealing with the slow onset of what felt like the end of the world as we knew it is a theme that seeped into most of the songs on the album.

In our daily lives, everything has changed – as it has for most people around the world. But we’re privileged and fortunate enough to live comfortably during this pandemic and we’ve never been more aware of how economic disparity, imbalanced power structures and systemic racism have been causing harm, grief and loss to marginalized folks around the world. So we just have to get to work and really be educating ourselves about the gaps in the histories we’ve been told and learning to see our blindspots.

It’s a time to be uncomfortable. It feels complicated to be putting out music of course, but we have to keep living. There are many things 2020 has taught me, but one is definitely that human beings, like all living things, are adaptable. We’ll see what happens and try to be better. It’s all we can do.”



You also talk about the increasing lack of authenticity nowadays. Are we increasingly becoming standardized? How do you see this in the music universe and its algorithms?

Peter: “Well, I feel this COVID era has encouraged people to be more direct and honest about their feelings. Instead of portraying themselves on social media with false images of perfection, I think people have been more open about their honest experience.

As artists, we are used to being put in a box, compared to other artists that we don’t relate to, just so an audience can reference our work. It’s a frustrating process sometimes, because Spotify can’t really consider the fact that sometimes the most exciting moment in a fans life is when an artist reinvents themselves!

When they release new work that is nothing like their older work and you get to comb through it as a fan and speculate about the motivations behind the decisive shift in tone. The music industry depends on artists’ free will; their ability to express themselves creatively in new ways, to uncover new sonic territory they’ve never explored before, in the interest of keeping themselves creatively satiated. Spotify is based on algorithms that decide how one artist is similar to another or different from another, which is a really closed minded approach to thinking about music.

Roosevelt once said that “Comparison is the thief of joy.” I think that this algorithm based approach takes away our free will as artists and relies too heavily on comparison to separate artists. All that being said, we’re grateful for the exposure to new listeners, so we have no choice but to interact with these streaming services in the hopes of finding a new audience.”



You were also able to work with a number of incredible producers with very different characteristics on this album. How was this experience? How did it work in practice? And what were the main learnings?

Peter: “We started recording with Graham Walsh, from the band Holy Fuck, for “Identical Love and Good Enough”. We’ve had a deep respect for him for a long time, and thought his approach would be great for the more electronic based material.

Then, we invited a guy named Burke Reid to come to Canada from Australia, for the more rock + roll material. We loved his work with Courtney Barnett and The Drones. He really expanded our sound, adding more melody and projecting his taste onto the music. July Talk will never be the same, and we are so grateful.

We then co-produced “The News” with our friends Ben Fox and Milan Sarkadi. Milan is an incredible engineer who knows the sounds he needs really well, so it was cool to see him in a production role for July Talk. Ben Fox is a film composer and an old friend who also worked on “Life of the Party”. We really respect his taste, so he was a great sounding board to run parts by and make sure the right element was being prioritized in the arrangement. He really helped get “The News” over the hill, because we had attempted and failed a number of times to record that tune, and he was up to facing the challenge with us.

Finally, we had co-wrote “Champagne” with Kyla Charter and James Baley, and collaborated with Producer David Plowman for that one. The song tackled issues of white privilege and the theft of black music and culture, and David has a long history of working with samples, so he was a perfect producer to work with as we created gospel samples and pitch shifted them to place them within that 60s/70s period.”



Canada has always had a very plural music scene, mostly for the aspect of being a country of immigrants and many cultural connections. What projects have caught your attention nowadays?

Leah: “It’s really cool to hear you describe Canada in that way. Anyone who lives in Canada that is not an Indigenous person came from somewhere and it’s a fact that people are constantly trying to ignore to maintain the settler-colonial norm!

Check out Hubert Lenoir, Elisapie, Haviah Mighty, Fiver, Jeremy Dutcher, Safia Nolin, Lido Pimienta, Shad, MUNYA, U.S. Girls and of course, go see Tanya Tagaq as soon as is humanly possible. To name a few.”

Here in Brazil we still don’t have any idea or plans when the shows are gonna be allowed to happen, and maybe we are far from seeing the end of the pandemic, so it would even be difficult to dream of a concert from you guys so soon.

But have you ever come to Brazil even on vacations? What do you guys know about brazilian music? And what message would you guys like to leave for Brazilian fans?

Leah: “I think CSS (Cansei De Ser Sexy) is the only band from Brazil that I know. I got to see them in Montreal when I was in University and Lovefoxxx pulled me on stage and poured vodka into my mouth. We danced, I remember she took her pants off and did a lot of the show in underwear.

It was definitely a life changing moment for me. I was studying dance and performance art in school and she just defied everything I had been taught about fronting a band and being a woman. I loved every minute of it. We’ve never been to Brazil but I cannot wait to come! Please everyone take care of yourselves, take care of each other until we can meet in person.”